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Zudem belegte er Kurse in technischem Zeichnen sowie in Kunstgeschichte [4] an der Londoner Kunstakademie.

Mit fortschreitendem Alter flüchtete er sich in Romane, besuchte Theatervorstellungen und ging oft ins Kino.

Henley Telegraph Company an, die elektrische Leitungen herstellte. Wegen seines zeichnerischen Talents wurde er bald in die Werbeabteilung versetzt.

Er bewarb sich mit einer Mappe mit Illustrationen und wurde als Zeichner von Zwischentiteln angestellt. In den Jahren und zeichnete er die Titel für mindestens zwölf Filme.

Nebenbei entwarf er Kostüme, Dekorationen und Szenenbilder. Auch durch Überarbeitungen von Drehbüchern machte er auf sich aufmerksam.

Bei zwei Filmen arbeitete er mit George Fitzmaurice zusammen, dessen genaue Produktionsplanung ihn sehr beeinflusste.

Bald darauf konnte er einen eigenen Film drehen, Number 13 in einigen Quellen Mrs. Die beiden kannten sich seit , seitdem sie gelegentlich an denselben Filmen gearbeitet hatten.

Neben dem Drehbuch kümmerte er sich auch um die Bauten, das Szenenbild, die Besetzung, die Kostüme sowie die Ausstattung und nahm so mit der Zeit die Aufgaben eines Produktionsleiters wahr.

Dabei hatte Hitchcock die Möglichkeit, Friedrich Wilhelm Murnau bei den Arbeiten an Der letzte Mann zu beobachten; von diesem beeindruckt übernahm er einige Techniken Murnaus für die Szenenbilder seiner aktuellen Produktion.

Das Projekt führte den jungen Hitchcock wieder nach Deutschland. Balcon war mit Hitchcocks ambitionierter Arbeit zufrieden und vertraute ihm eine weitere deutsch-englische Koproduktion an: Der Bergadler wurde noch im selben Jahr, diesmal in Tirol, gedreht.

Doch beide Filme, die beziehungsweise in Deutschland in den Kinos anliefen, wurden in England zunächst nicht veröffentlicht.

Der englische Verleiher und Geldgeber C. Woolf war, im Gegensatz zu Balcon, nicht von Hitchcocks betont expressionistischem Stil überzeugt.

Der Bergadler ist der einzige von Hitchcocks Filmen, der nicht mehr erhalten ist. Mit dem gedrehten Film Der Mieter um einen einzelgängerischen Pensionsgast, der verdächtigt wird, ein Serienmörder zu sein, hatte Hitchcock sein Thema gefunden.

Balcon zog daraufhin den jungen Ivor Montagu hinzu, der Erfahrung mit Filmüberarbeitungen hatte; mit Hitchcock zusammen wurden einige Änderungen vorgenommen.

Der überragende Erfolg bei einer Pressevorführung ebnete dann den Weg zur Veröffentlichung seiner ersten beiden Filme. Beiden Filmen war kein Erfolg beschieden.

Beruflich blieb Alma bis zum Schluss seine engste Mitarbeiterin und Beraterin. Hitchcock hingegen nutzte das Potential der neuen Technik.

Erpressung wurde ursprünglich als Stummfilm produziert. Die Produzenten erlaubten Hitchcock jedoch, eine Filmrolle mit Tonmaterial nachzudrehen.

Er versah daraufhin einzelne Schlüsselszenen mit wirkungsvollen Toneffekten und gesprochenem Dialog, wobei die tschechische Schauspielerin Anny Ondra , die ihre Rolle stumm spielen musste, von der englischen Schauspielerin Joan Barry simultan synchronisiert wurde.

Mit Mord — Sir John greift ein! Den ihm aufgezwungenen Thriller Nummer siebzehn beschloss Hitchcock aus Protest zu sabotieren und zu einer wirren, albernen Parodie zu machen.

Die turbulente Verbindung zwischen Humor und Spannung lässt Nummer siebzehn aus heutiger Sicht als einen Vorläufer späterer Klassiker des Genres erscheinen.

Die Zusammenarbeit hatte zunehmend unter dem Konflikt zwischen Hitchcocks Streben nach künstlerischer Kontrolle und den Vorschriften des Studios gelitten.

Melodrama ist das einzige, was ich wirklich kann. Unmittelbar nach Waltzes from Vienna nahm er die fruchtbare Zusammenarbeit mit dem Produzenten Michael Balcon wieder auf.

Der Film wurde sowohl von der Kritik als auch vom Publikum enthusiastisch aufgenommen. Eine turbulente Szene folgt auf die nächste, es gibt keine Übergänge und kaum Zeit für den Zuschauer, über die manches Mal fehlende Logik nachzudenken.

Hitchcock ordnete nach eigenem Bekunden alles dem Tempo unter. Der überragende Erfolg des Films sollte ihm recht geben.

Es folgten Geheimagent und Sabotage , die insbesondere in Hitchcocks eigener späterer Bewertung gegenüber den beiden Vorgängerfilmen abfielen.

Nach Sabotage endete abrupt die zweite erfolgreiche Phase der Zusammenarbeit mit Michael Balcon, als die Produktionsfirma Gaumont British von deren Besitzern geschlossen und Balcon entlassen wurde.

Die beiden folgenden Filme drehte Hitchcock daher wieder für die Gainsborough Pictures — diesmal allerdings ohne seinen ehemaligen Förderer.

Jung und unschuldig war eine weitere, unbeschwerte Variation der Geschichte vom unschuldig Verfolgten. Der gefeierte Thriller Eine Dame verschwindet spielt überwiegend in einem fahrenden Zug.

Hitchcock festigte mit diesen sechs Filmen seine Ausnahmestellung innerhalb des britischen Kinos. Selznick , war, seine Interessen wahrzunehmen.

Selznick, der damals gerade mit der Vorproduktion zu Vom Winde verweht beschäftigt war. Doch der Kostümfilm Riff-Piraten wurde von der Presse durchweg verrissen.

David O. Selznick übte starke Kontrolle über die Filme seines Studios aus und achtete darauf, dass sich der freiheitsliebende Hitchcock möglichst eng an die literarische Vorlage seines ersten Hollywoodfilmes hielt.

In den nächsten Jahren machte Selznick sein Geld mit Hitchcock, indem er ihn für beträchtliche Summen an andere Studios auslieh.

Der Auslandskorrespondent blieb Hitchcocks Naturell entsprechend jedoch ein weitgehend unpolitischer Spionagethriller.

Nur der nachgedrehte Schlussmonolog, gerichtet an die noch neutralen USA, wirkte aufrüttelnd. Kurz nach Fertigstellung des Films wurde England von Deutschland bombardiert.

Der rechtzeitig ausgewanderte Hitchcock musste sich daraufhin scharfe Kritik von ehemaligen britischen Kollegen, allen voran Michael Balcon, gefallen lassen.

Zwischen diesen Produktionen drehte er, für ihn und andere ungewohnt, seine einzige Screwball-Komödie. Obwohl damals durchaus positiv aufgenommen, zeigte er sich mit Mr.

Smith , RKO nicht zufrieden. Hitchcocks Filme gelten allgemein als stark von seinem Charakter geprägt. Dieses Familienmelodram wird als einer seiner persönlichsten Filme bezeichnet: In allen Hauptfiguren spiegeln sich demnach Eigenschaften und Ängste Hitchcocks.

Als während der Dreharbeiten Hitchcocks Mutter in London starb, verstärkte dies die autobiografischen Tendenzen.

Auch in seine nächste Hollywood-Produktion arbeitete er stark propagandistische Töne ein, doch sein stets bewusst irritierender Umgang mit Klischees sorgte diesmal für Kontroversen: In einem kleinen Rettungsboot sehen sich englische und amerikanische Schiffbrüchige einem intellektuell überlegenen Nazi gegenüber.

Psychologie, wichtige Komponente seines Werks, stand im Mittelpunkt von Ich kämpfe um dich , der nach langer Zeit wieder für Selznick entstand.

Selznick behielt, bei der Stoffauswahl angefangen, bei dieser relativ chaotisch verlaufenden Produktion die Oberhand. Dass Hitchcock währenddessen Vorbereitungen für seine eigene Produktionsfirma traf, verstärkte die Spannungen zwischen den machtbewussten Männern.

Dennoch bot Selznick Hitchcock — erfolglos — eine Vertragsverlängerung an. Bereits im April , rund zwei Jahre bevor der Vertrag mit Selznick auslaufen sollte, gründete Hitchcock mit dem befreundeten Kinokettenbesitzer Sidney Bernstein die Produktionsfirma Transatlantic Pictures , [15] für die er seinen ersten Farbfilm inszenierte, Cocktail für eine Leiche mit James Stewart in einer der Hauptrollen.

Der Film blieb jedoch vor allem wegen eines anderen Hitchcock-Experiments in Erinnerung; jede Einstellung des kammerspielartigen Films dauert so lange, wie es das Filmmaterial in der Kamera erlaubte, also rund zehn Minuten.

Durch geschickte Übergänge sollte so der Eindruck entstehen, dass sich die Geschichte in Echtzeit und von nur einer Kamera gefilmt ereignete.

Sklavin des Herzens , ein für Hitchcock untypischer, melodramatischer Kostümfilm, war vor allem ein Vehikel für Ingrid Bergman.

Trotz der Starbesetzung und der technischen Raffinessen wurde er kommerziell ein ähnlicher Misserfolg wie Cocktail für eine Leiche — Transatlantic ging daraufhin in Konkurs.

Nachdem sein Berater und Agent Myron Selznick gestorben war, wurden Hitchcocks Interessen von mehreren anderen Personen wahrgenommen, bevor er mit Lew Wasserman zusammentraf.

Hitchcock schloss mit Warner Bros. Hitchcock drehte in seiner Heimat, spürte allerdings wieder die alten Ressentiments, die nach seiner Auswanderung entstanden waren.

Der Film selbst war nicht sonderlich erfolgreich. Diese Tradition sollte er die kommenden 20 Jahre beibehalten.

Obwohl von der Kritik geschätzt, floppte der Film an den Kinokassen, was Hitchcock vor allem der Humorlosigkeit des Publikums anlastete.

Als Anfang der er Jahre das Fernsehen Einzug in die Wohnzimmer hielt, versuchte die Kinoindustrie, mit neuen technischen Verfahren wie dem Breitbildformat Cinemascope oder dem 3D-Verfahren den Zuschauerschwund aufzuhalten.

So drängte Warner Bros. Hitchcock, seinen nächsten Film in 3D zu drehen. Über diese Entscheidung, die zur Einschränkung der Bewegungsfreiheit der Kamera führte, war Hitchcock nicht glücklich; er setzte auch nur wenige explizite 3-D-Effekte ein.

Er schloss daher einen Vertrag mit Paramount ab, der ihm völlige künstlerische Freiheit garantierte. Die Hauptfigur sitzt während des gesamten Films im Rollstuhl und beobachtet durch ein Teleobjektiv das Geschehen in den gegenüberliegenden Wohnungen — sozusagen stellvertretend für den Zuschauer, aber auch stellvertretend für Hitchcock selbst, der in diesem Film den voyeuristischen Aspekt des Filmemachens aufzeigt.

Edmund Gwenn , der bereits in früheren Hitchcock-Filmen mitgewirkt hatte, spielte fast achtzigjährig eine seiner wenigen Hauptrollen.

Obwohl Hitchcock in vielen seiner Filme schwarzen Humor untergebracht hat, ist es eine der wenigen echten Komödien von ihm.

Hitchcock war Produzent, trat in vielen Folgen als Moderator auf und inszenierte insgesamt 18 Folgen. Nach zehn Jahren beendete er seine Fernseharbeit, an der er zunehmend das Interesse verloren hatte.

Der Film entstand noch einmal für Warner Bros. Allerdings war Der falsche Mann , der viele Stilelemente des Film noir und ein trostloses Ende aufweist, kommerziell ein Flop.

In wenige seiner Filmfiguren projizierte Hitchcock wohl so viel von seiner eigenen Persönlichkeit wie in den von James Stewart verkörperten Scottie Ferguson, der versucht, eine Frau nach seinen Vorstellungen umzuformen.

Die elegante Leichtigkeit der Erzählung beeinflusste viele nachfolgende Abenteuer- und Agentenfilme, was sich u.

Für Hitchcock selbst blieb es für lange Zeit der letzte vorwiegend heitere Film. Das im Anschluss vorbereitete Projekt mit Audrey Hepburn in der Hauptrolle wurde durch Hitchcock gestoppt, als Hepburn wegen einer geplanten Vergewaltigungsszene absagte.

Ungewöhnlich war auch der Tod einer Hauptfigur nach nur einem Drittel des Films. Die Vögel entstand für Universal, die kurz zuvor teilweise von MCA übernommen worden waren und für die Hitchcock von nun an alle seine Filme drehen sollte.

Die folgenden drei Filme der er Jahre blieben kommerziell hinter den vorangegangenen Erfolgen zurück. Konflikte mit seiner Hauptdarstellerin Tippi Hedren prägten die Dreharbeiten so weit, dass er das Gelingen seines nächsten Films Marnie bewusst zu sabotieren schien.

Bemängelt wurde, dass das Psychogramm einer verstörten, traumatisierten Frau sich psychologischer Erklärungsmodelle bediene, die überholt und undifferenziert wirkten, und der Film enthalte, untypisch für Hitchcock, viele handwerkliche Fehler.

Kurz nach Abschluss der Dreharbeiten verstarb zudem Hitchcocks Filmeditor George Tomasini , mit dem er zehn Jahre lang zusammengearbeitet hatte und für Bernard Herrmann, der seit Hitchcocks bevorzugter Filmkomponist war, war Marnie die letzte Zusammenarbeit mit Hitchcock.

Filmproduktionen wurden immer aufwendiger, der Erfolg an der Kinokasse immer wichtiger. Diverse Projekte, die Hitchcock reizten und die er mehr oder weniger intensiv plante, kamen so aus Angst der Produzenten nicht zustande — etwa Mary Rose , die geplante Verfilmung eines skurrilen Theaterstücks.

Die Premiere dieses Überdies kam es zum Bruch mit dem Komponisten Bernard Herrmann, als dieser nicht die von Universal gewünschte, auch für den Schallplattenverkauf geeignete Unterhaltungsmusik vorlegte.

Auch an anderen wichtigen Positionen seines Stabes musste Hitchcock auf vertraute Mitarbeiter verzichten.

Der zerrissene Vorhang fällt handwerklich und dramaturgisch gegenüber Hitchcocks letzten Filmen deutlich ab und wurde von der Kritik durchweg verrissen.

Als das von ihm und Howard Fast detailliert ausgearbeitete Drehbuch über einen homosexuellen Frauenmörder abgelehnt wurde, zog er sich für ein Jahr ins Privatleben zurück.

Das endgültige Drehbuch wurde erst während der laufenden Dreharbeiten geschrieben, der Schluss nach einer katastrophalen Preview improvisiert.

Topas ist mein Film, aber wann ich meinen letzten Film drehen werde, ist von mir, meinen Finanziers und Gott noch nicht entschieden worden.

Im Spätsommer nahm Hitchcock sein nächstes Projekt in Angriff und reiste dafür wieder in seine Heimat, wo er diesmal begeistert empfangen wurde.

Doch als seine Frau Alma einen Herzinfarkt erlitten hatte, wurde Hitchcock müde und untätig; die Crew war, ähnlich wie bei den drei vorangegangenen Filmen, wieder weitgehend auf sich alleine gestellt.

Nur in England war man enttäuscht und bemängelte vor allem die anachronistisch wirkende Darstellung Londons und des britischen Lebens.

Doch die Arbeit am Drehbuch mit Ernest Lehman Der unsichtbare Dritte ging diesmal nicht mehr so reibungslos vonstatten: Hitchcock war merklich müde geworden, seine körperlichen Schmerzen betäubte er zunehmend mit Alkohol.

Zwei Jahre benötigte die Fertigstellung des Drehbuchs, so lange wie nie zuvor in seiner Karriere.

Wie stets legte er Wert auf eine ausgeklügelte Bildsprache, die erneut mit Hilfe von Storyboards erarbeitet wurde.

Hitchcock, der sich im Rahmen seiner gesundheitlichen Möglichkeiten mit einem lange nicht gezeigten Elan in die Dreharbeiten einbrachte, zeigte sich zu Neuerungen bereit: Er war offen für Improvisationen seiner Schauspieler und nahm noch während der Dreharbeiten Änderungen am Ablauf vor.

Die Überwachung der Schnittarbeiten musste er weitgehend seinen Mitarbeiterinnen Peggy Robertson und Suzanne Gauthier überlassen, da sich sein Gesundheitszustand deutlich verschlechterte.

Zudem erlitt Alma einen zweiten Schlaganfall. Familiengrab wurde nach seiner Premiere im Frühjahr überwiegend freundlich aufgenommen, und Hitchcock schöpfte aus der Sympathie, die ihm entgegenschlug, für kurze Zeit Kraft, neue Filmideen aufzugreifen.

Sein erst Anfang in Angriff genommenes Projekt, die Verfilmung des Romans The Short Night von Ronald Kirkbride , wurde aufgrund seines sich weiter verschlechternden Gesundheitszustands jedoch etwa ein Jahr später von Universal gestoppt.

Januar wurde Hitchcock in den britischen Adelsstand erhoben. Am Morgen des Seine Leiche wurde eingeäschert, die Asche an einem unbekannten Ort verstreut.

Die einzigen Regisseure, die in dieser Hinsicht mit ihm verglichen werden können, sind allenfalls Murnau und Eisenstein.

In rund fünfzig Jahren hat Alfred Hitchcock dreiundfünfzig Spielfilme als Regisseur begonnen und beendet.

Dabei bezieht sich diese Angst nicht nur auf Mörder, Gangster oder Spione, welche die bürgerliche Ordnung angreifen; die Hauptfiguren finden sich häufig in der Lage wieder, sogar von Vertretern des Gesetzes bedroht zu werden.

Das folgende Unheil kann jedoch als Strafe für den von ihr begangenen Ehebruch angesehen werden. Unschuldige werden zu Schuldigen oder Mitschuldigen an Verbrechen anderer, da sie aus persönlichen Gründen nicht zur Aufklärung beitragen können.

Zentral sind hierbei die beiden Filme Ich beichte und Der Fremde im Zug , in denen die jeweiligen Protagonisten von Morden, die andere begangen haben, profitieren und, nachdem sie selbst unter Verdacht geraten, keine Möglichkeit haben, sich zu entlasten.

In Vertigo macht der wahre Mörder die Hauptfigur durch ein Komplott zunächst scheinbar zum Schuldigen am Tod der ihr anvertrauten Person.

Später macht sich das Opfer der Intrige tatsächlich am Tod der Frau schuldig, die er liebt. Falsche Verdächtigungen, aber auch ausgeprägte Schuldkomplexe, gehen bei Hitchcocks Filmen mit der Bedrohung der Identität einher.

Seine traumatisierten oder verfolgten Figuren nehmen selbst falsche Namen an oder werden — aus unbekannten Gründen — für jemand anderen gehalten.

Oft stehen Schuld und Bedrohung in Zusammenhang mit sexuellen Aspekten. In mehreren Filmen wird zudem ein erotischer Bezug der männlichen Hauptfiguren zu ihren Müttern angedeutet, etwa in Psycho und Die Vögel.

Dieser Eindruck wird durch den geringen Altersunterschied der Schauspieler von nur vier Jahren verstärkt.

Die meisten Protagonisten in Hitchcocks Thrillern sind Normalbürger, die zu Beginn der Geschichte in der Regel nichts mit kriminellen Machenschaften zu tun haben.

Meist werden sie durch Zufall oder unbekannte Umstände in geheimnisvolle und bedrohliche Vorgänge gezogen. Dem Zuschauer wird so das beunruhigende Gefühl vermittelt, dass auch er jederzeit in derartige Situationen geraten könnte.

Professionelle Agenten oder Spione findet man dagegen nur selten unter den Hauptfiguren, obwohl Hitchcock viele Filme drehte, die im Agentenmilieu spielen.

Hitchcock drehte bis auf eine Ausnahme Erpressung , auch nie einen Film, in dem die Arbeit der Polizei im Mittelpunkt steht; aktive Polizisten tauchen ansonsten nur als Nebenfiguren und üblicherweise als Hindernis auf.

Der Prototyp des Antihelden bei Hitchcock sind die von James Stewart gespielten Figuren: In Cocktail für eine Leiche muss der von Stewart dargestellte Lehrer erkennen, dass zwei seiner Studenten eine seiner Theorien zum Anlass nahmen, einen Mord zu verüben und diesen mit seinen Thesen zu rechtfertigen; am Ende steht er hilflos vor diesem menschlichen Abgrund, in den er nicht nur hineingezogen wurde, sondern den er sogar mit heraufbeschworen hat.

In Das Fenster zum Hof stellt Stewart eine Figur dar, die bindungsscheu sowie körperlich beeinträchtigt und voyeuristisch veranlagt ist und dadurch in Schwierigkeiten kommt.

In seinem erschienenen Film arbeitet er mit Dokumentaraufnahmen von Ameisenhügeln und entwickelt eine apokalpytische Stimmung, die stark an Hitchcocks "Die Vögel" erinnert.

Das Bad in der Würmermenge: Ein Stromschlag genügt, und schon verwandeln sich Sandwürmer in mordslüsterne Killertiere. So ist es zumindest zu sehen in "Squirm" von Durch die Zusatz-Volts wachsen die Würmer nicht nur in die Länge, sie entwickeln auch einen unerklärlichen Appetit auf Menschenfleisch.

Alfred Hitchcock hätte an der effizienten Arbeitsweise seine Freude gehabt. Es geht um die reiche alte Dame Danny, die ihren Tieren das gesamte Erbe vermachen möchte.

Doch Neffe Wylie hat andere Pläne. Er zieht bei der Tante ein, wickelt sie um den Finger, lässt die Katzen aus dem Haus werfen und das Testament umschreiben, bevor er sich daran macht, die kranke Frau zu beseitigen.

Doch die geschassten Tiere lassen die Kränkung nicht auf sich sitzen und kommen zurück, um ihr Frauchen zu retten. Mit mörderischen Folgen.

Schleim dich nicht ein: In den achtziger Jahren hatte sich das Tierhorror-Genre abgenutzt. Gesundheitsamt-Mitarbeiter Mike ist überzeugt, dass es sich bei den Tätern um Nacktschnecken handelt.

Seltsamerweise wollen ihm weder die örtlichen Behörden noch der Bürgermeister Glauben schenken. Während die überlebenden Anwohner sich in ihren Häusern verstecken, wird klar, dass die Regierung Experimente an den Vierbeinern durchgeführt hat.

Regisseur Burt Brinckerhoff bedient sich in "Killerhunde" ziemlich schamlos bei Hitchcock. Da gerät ein Kindergeburtstag zu einer blutigen Feier, und die Menschen müssen sich genauso in ihren Häusern verbarrikadieren wie die Familie Brenner in "Die Vögel".

Als einer von ihnen durch Kreuzungen eine besonders aggressive Bienenart erschafft, bricht Chaos aus. Die Tiere entkommmen aus dem Labor und greifen die hilflosen Dorfbewohner an.

Ich glaub, ich spinne: Und wieder einmal erlebt ein Stadtmensch auf dem Dorf das Grauen. Blöd nur, dass sich die Tiere ausgerechnet in Jennings Scheune und Keller einnisten.

Noch blöder ist, dass der Arzt an einer Spinnenphobie leidet - und schon bald die ersten Todesfälle auftreten.

Spielberg war erst 28 Jahre alt, als sein Meeres-Schocker in die Kinos kam. Wieder ist es ein Küstenort, der bedroht wird.

Doch diesmal kommt der Angreifer aus dem Wasser. Spielbergs Horrorwerk wirkte trotz mechanischer Hai-Attrappe auf das Publikum so traumatisch, dass sich viele Besucher nicht mehr ins Wasser trauten.

Steven Spielberg fand die Antwort auf sein Meisterwerk so gut, dass er Dante für weitere Projekte engagierte - unter anderem für die erfolgreiche "Gremlins"-Reihe.

Willys böser Bruder: Als Fischer einen weiblichen Schwertwal gefangen nehmen und dieser stirbt, dreht das Männchen durch. Doch die Küstenbewohner fordern, dass der Wal getötet wird.

Michael Anderson drehte einen verstörenden Tierhorrorfilm, in dem die eigentlichen Monster die Menschen sind.

Der Metzelfilm wartete mit vielen blutigen Szenen auf - und floppte dennoch an der Kinokasse. Sie alle kämpfen auf einer texanischen Raketenbasis gegen ein afrikanisches Killerbienenvolk, das die Menschheit bedroht.

Nicht einmal das Militär kann die kleinen Stecher besiegen. Daraus macht Lewis Teague gelungenen Öko-Horror.

Die kleine Marisa kauft sich während eines Urlaubs in Florida ein Alligatoren-Baby, doch als sie nach Chicago zurückkommt, spült ihre Mutter das ungeliebte Haustier im Klo herunter.

Jahre später trifft Marisa, mittlerweile eine bekannte Reptilienexpertin, auf den ausgewachsenen Alligator. Das Tier hat sich über Jahrzehnte von Chemieabfällen ernährt - und ist schlecht auf Menschen zu sprechen.

Crocket hatte versucht, die Amphibien mit Pestiziden loszuwerden - woran auch andere Tiere qualvoll verendet waren. Das Tier wütet in einem Nationalpark, doch ein profitgieriger Manager sorgt dafür, dass die Überfälle vertuscht werden.

So kommen immer mehr Touristen ums Leben - bis sich ein Ranger mit einem Wildbiologen und einem Hubschrauberpiloten zusammentut, um das Tier zu erlegen.

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Über Radiodurchsagen erfährt er von ähnlichen Vorgängen im ganzen Land. Da die Vögel nur bei Flut aktiv werden, nutzt er die ruhigen Stunden zur Vorbereitung auf die bevorstehenden Angriffe.

Mit dem Anlegen von Vorräten an Lebensmitteln und Brennstoffen hofft er, die nächsten Tage zu überstehen. Die Geschichte endet offen.

Für die Interpretation der Handlung spielt der historische Kontext eine wesentliche Rolle. Drehbuchautor Evan Hunter übernahm für die Filmadaption nur das Motiv der angreifenden Vögel, während Charaktere, Handlungsorte und Dramaturgie unterschiedlich sind.

Nach Absprache mit Hitchcock verlegte er die von ländlichen Einflüssen geprägte südwestenglische Landschaft an die kalifornische Küste, um die Kultiviertheit der Metropolregion San Francisco bei der Charakterisierung der agierenden Personen in den Vordergrund zu stellen.

I chose Bodega Bay because I wanted an isolated group of people who lived near an articulate community. Bodega Bay is a place where sophisticated San Franciscans drive to spend the weekend.

The location provided the combination we wanted. Ich wählte Bodega Bay, weil ich eine isolierte Gruppe von Menschen zeigen wollte, die in der Nähe einer aufgeschlossenen Gesellschaft lebten.

Der Ort bot die Kombination, die wir wollten. Hitchcock entwickelte eine Vorliebe für diese Region, nachdem er im September gemeinsam mit seiner Ehefrau Alma ein privates Anwesen nahe Scotts Valley erworben hatte.

Neben dem zugrundeliegenden Kurzroman orientierte sich Hitchcock an tatsächlichen Vorfällen, die sich ereigneten, nachdem die Arbeiten am Filmprojekt bereits begonnen hatten.

Am frühen Morgen des August wurden Bewohner der Küstenstadt Capitola aus dem Schlaf gerissen, weil Hunderte Vögel — die meisten davon Dunkle Sturmtaucher — gegen Hausdächer flogen, Fenster zerbrachen und Stromleitungen durchtrennten.

Jahrzehnte später stellte sich heraus, dass die Tiere von Domoinsäure , einem von Kieselalgen der Gattung Pseudo-nitzschia produzierten Nervengift, befallen waren.

Aus Zeitungen erfuhr Hitchcock von weiteren Vorkommnissen in Kalifornien. Vom betroffenen Bauern erfuhr er weitere Details, die ihn zu der Szene mit dem toten Farmer und den ausgehackten Augen inspirierten.

Für die männliche Hauptrolle waren zunächst andere Kandidaten vorgesehen, darunter neben Cary Grant auch Farley Granger.

Die Zusammenarbeit zwischen Nebendarstellerin Suzanne Pleshette und Hitchcock erwies sich als schwierig.

Sie war eine Vertreterin des Method Acting und kam mit den Vorgaben des Regisseurs häufig nicht zurecht.

Die Kinderdarstellerin Veronica Cartwright feierte während der Dreharbeiten ihren Geburtstag und war somit zwei Jahre älter als ihre Filmrolle Cathy Brenner.

In den Studios befanden sich zudem die Filmsets für die Innenaufnahmen. In Wirklichkeit schuf Hitchcock im Film ein fiktives Bodega Bay, das sich aus mehreren unterschiedlichen Schauplätzen zusammensetzt.

Die Schule und die direkt daneben befindliche Kirche stellen wiederum echte Gebäude dar, die im etwa acht Kilometer östlich gelegenen Ort Bodega an der Bodega Lane im Landesinneren stehen.

Das Schulgebäude ist in Privatbesitz, nachdem es zwischenzeitlich als Gemeindezentrum, Restaurant und Gästehaus genutzt wurde.

Das Haus der Brenners und die rote Scheune waren ebenso wie der Bootssteg temporär errichtete Kulissen nach dem Vorbild einer nahe gelegenen Farm russischer Siedler aus dem Jahr Boyle die verfügbaren Filmtechniken der er-Jahre ausreizte.

Das Zusammensetzen von Hintergrundaufnahmen sowie Bewegungen agierender Schauspieler und fliegender Vögel beschäftigte zahlreiche Spezialisten.

Aus diesem Grund kam der Pre- und Postproduktion eine wichtige Bedeutung zu. Mehrfach wurden verschiedene visuelle Effekte miteinander kombiniert.

Zu den Aufgaben der Vorproduktion gehörte die Zusammenstellung von Filmmaterial fliegender Möwen aus diversen Perspektiven, das beim späteren Compositing in andere Filmsequenzen integriert werden konnte.

Um die gewünschten Nahaufnahmen zu erhalten, wurden die Tiere mit Futter angelockt. Die Aufnahmen wurden unter anderem für die Szenen am Union Square, während des Angriffs auf der Geburtstagsfeier und beim Tankstellenbrand benutzt.

Für die Verfremdung oder Anreicherung realer Motive mithilfe von Matte Painting war der britische Spezialeffektkünstler Albert Whitlock verantwortlich.

Durch die Verwendung bemalter Glasplatten oder Leinwände während der Filmaufnahmen wurden beispielsweise Landschaften stimmungsvoller gestaltet und Gebäude ergänzt.

Trotz der zum Teil weit voneinander entfernt liegenden Drehorte entstand somit ein topografisch konsistentes Ortsbild über die gesamte Filmdauer.

Diese Landschaft wurde durch Whitlocks künstlerische Eingriffe stark verfremdet, da zu jener Zeit keine umfangreiche Bebauung im Bereich der Tides Wharf existierte.

Zur Realisierung animierter Masken engl. Die auch als Sodium Vapor Process bezeichnete Technik spielte exemplarisch bei den umherfliegenden Sperlingen im Haus der Brenners und beim Angriff der Krähen auf die flüchtenden Schulkinder eine Rolle.

An den Konturen zwischen Vorder- und Hintergrundobjekten trat zuweilen eine blaue Farbsaumbildung auf, die insbesondere bei feinen Strukturen und schnellen Bewegungen wie dem Flügelschlag von Vögeln störend zur Geltung kam.

Eine ebenfalls in diesem Zusammenhang verwendete Methode ist die Rückprojektion. Noch deutlicher wird die Kunst der Illusion nach der Flucht aus der Schule.

Abhängig von der Charakteristik der jeweiligen Einstellung kamen entweder wilde oder dressierte Vögel sowie unbewegliche oder mechanisch animierte Attrappen zur Anwendung.

Er arbeitete überwiegend mit Raben und Krähen , die sich wegen ihrer Intelligenz besonders für das Training eigneten. Für Massenszenen wurden echte Tiere mit Nachbildungen ergänzt oder wie in der Schlussszene technisch dupliziert.

Unter den Vögeln auf dem Klettergerüst bei der Schule befanden sich zum Beispiel nur einige lebende Exemplare.

Handpuppen ahmten die Vogelköpfe beim Aufbrechen der Türen nach. Der Angriff auf Melanie im Schlafzimmer wurde über einen Zeitraum von fünf Tagen gedreht und ähnlich schnell geschnitten wie drei Jahre zuvor die Duschszene in Psycho.

Hitchcock entschied sich zugunsten der Realitätsnähe für den Einsatz echter Vögel. Mit Schutzhandschuhen bekleidete Helfer schleuderten die Tiere in Richtung der Darstellerin und befestigten sie zudem mit Nylonbändern an ihrem Kostüm.

Infolge der Strapazen und einer Gesichtsverletzung erlitt Tippi Hedren während der Dreharbeiten einen Nervenzusammenbruch und musste sich mehrere Tage unter ärztliche Aufsicht begeben.

In einer beklemmenden Schlüsselszene des Films zeigt sich Hitchcocks Handschrift zum Spannungsaufbau : Melanie Daniels wartet vor der Schule auf das Ende der Stunde und nimmt auf einer Bank Platz, hinter der sich ein Spielplatz mit einem Klettergerüst befindet.

Nach kurzer Zeit setzt sich — von Melanie unbemerkt — eine Krähe auf das Gerüst. Die folgenden Schnitte zeigen abwechselnd Melanie und das Klettergerüst, auf dem sich nach und nach weitere Krähen niederlassen, bis es zehn Vögel sind.

Dann ist eine Zeitlang nur die rauchende Melanie zu sehen und der Gesang der Schulkinder zu hören. Als sie landet, zeigt sich zu ihrem Erschrecken, dass eine unübersehbare Zahl von Krähen auf sämtlichen Klettergerüsten des Spielplatzes sowie den umliegenden Dächern sitzt.

Hier ergänzen sich zwei von Hitchcock häufig eingesetzte Stilmittel: Zum einen verschafft er den Zuschauern einen Wissensvorsprung gegenüber den Akteuren im Film, andererseits verstärkt er durch die visuelle und dialogfreie Erzählweise die Konzentration auf die Handlung.

Der Film verzichtet auf die Untermalung durch einen musikalischen Soundtrack im herkömmlichen Sinne. Hitchcock hatte das nach seinem Erfinder Friedrich Trautwein benannte und als Vorläufer der analogen Synthesizer geltende Instrument bereits Ende der er-Jahre im Berliner Rundfunk gehört.

Nach einer gelungenen Probevertonung der finalen Angriffsszene erhielten Gassmann und Sala den kompletten Auftrag. Gerade die Spannung, die der Film ohne Musik erzielt, macht ihn auch musikwissenschaftlich zu einem Meilenstein.

Alfred Hitchcock setzte die Story in ebenso erregende wie beklemmende Bildfolgen um. Ein engelsgleiches Gesicht, leuchtendes Blond, zurückhaltend.

Sklavin umformen wollte. Die junge Frau war geschieden und hatte eine vierjährige Tochter die heutige Schauspielerin Melanie Griffith.

Er wollte demonstrieren, dass sie ihm gehörte. Und seine Fantasie malte ihm die verkorkste Vorstellung aus: Da ist eine engelhafte Erscheinung, die sich in eine enthemmte Teufelin verwandelt.

Eines Tages fuhr er Tippi Hedren ins Hotel, im Auto stürzte er sich auf sie, versuchte, sie zu küssen. Sie schrie und rannte weg. Ein anderes Mal drängte er sie in eine Ecke, wollte, dass sie ihn berührt.

Immer wieder belästigte der Regisseur die Frau sexuell, doch Hedren verweigerte sich standhaft seinen massiven Avancen.

Das bekam sie zu spüren. In den Horrorszenen, in denen sie von Vögeln angegriffen wird, wurden echte Tiere an sie gebunden.

Die Attacken waren also echt und schmerzvoll. Durch einen Schnabelhieb hätte sie fast ein Auge verloren. Als sie sich wiederum verweigerte, drohte ihr Hitchcock mit dem Karriere-Aus: Er habe die Macht, sie existenziell zu vernichten und sie zum Gespött der Leute zu machen.

Doch Hedren blieb hart. Tatsächlich wurde sie in den Jahren danach kaum mehr besetzt. Die Zeit als Hollywood-Star war beendet.

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